Founded in Paris in 1990, Perrotin operates galleries in major cities worldwide, showcasing a diverse range of contemporary art. Perrotin Seoul first opened in Samcheong-dong in April 2016 with a solo exhibition by French conceptual artist Laurent Grasso. Since then, the gallery has moved to its current location at Perrotin Dosan Park, enhancing its accessibility within the local art scene. Over the past decade, the gallery has hosted more than 60 exhibitions, introducing both established and emerging international artists to Seoul and contributing to the city's growth as an art hub in Asia.
To mark its 10th anniversary, the group exhibition 10 YEARS reviews the gallery’s past decade while looking forward to its future. The exhibition features new works by the gallery’s long-standing artists, including Maurizio Cattelan and Takashi Murakami, alongside Korean masters such as Park Seo-Bo, Lee Bae, and Shim Moon-Seup. This presentation offers a comprehensive look at the wide-ranging artistic spectrum that Perrotin has cultivated, bringing together works by artists who have rarely been shown in Korea in a single setting.
페로탕(Perrotin)은 1990년 파리에서 설립된 이후 전 세계 주요 도시에 거점을 두며 동시대 미술의 흐름을 주도해 온 세계적인 갤러리다. 페로탕 서울은 지난 2016년 4월 서울 삼청동 공간에서 프랑스의 개념미술가 로랑 그라소의 개인전을 시작으로 한국 미술 시장에 진입했다. 이후 현재의 공간인 페로탕 도산파크로 접근성을 더욱 확장하였고, 지난 10 년간 60회 이상의 전시를 통해 국내외 역량 있는 작가들을 소개하며 서울이 아시아 미술의 허브로 자리매김하는 데 중추적인 역할을 수행해왔다.
개관 10주년을 맞이하여 기획된 이번 특별전 《10 YEARS》는 페로탕 서울의 지난 10년간 기록을 기념하고 새로운 도약을 알리는 장이다. 이번 전시는 갤러리를 대표하는 세계적인 작가 마우리치오 카텔란(Maurizio Cattelan)과 무라카미 다카시(Takashi Murakami)를 비롯, 박서보, 이배, 심문섭과 같은 한국 미술의 거장과 함께 갤러리의 미학적 정체성을 대변하는 주요 작가들의 신작 위주로 구성된다. 단체전 형식으로 꾸려지는 본 전시는 그간 국내에서 접하기 어려웠던 국내외 작가들의 다채로운 스펙트럼을 한자리에서 확인할 수 있는 소중한 기회가 될 것이다.
Daniel Arsham is a 1980 Cleveland-born who studied painting at the Cooper Union in New York and now works across various genres and mediums including painting, sculpture, drawing, film, fashion, and architecture.
“The Fictional Archeology”, a key to understanding Arsham’s practice, stems from the recognition that our present will eventually be the past in the distant future. The artist creates plastered objects of everyday items such as cameras, microphones, cassette players, and payphones, and with geological mediums such as sand and volcanic ash, transforms them to appear as if they had just been excavated, thus making the present past. In this eerie yet playful works of Arsham which sits somewhere between Romanticism and Pop Art, present, future, and past metaphorically collide, as the artist experiments with the timelessness of symbols and representations throughout cultures.
회화와 조각, 드로잉, 영화, 패션, 건축 등 다양한 장르와 매체를 넘나들며 작업하는 현대미술가 다니엘 아샴은 1980년 미국 클리블랜드 출생으로, 뉴욕 쿠퍼 유니언에서 회화를 전공한 뒤, 뉴욕을 중심으로 활동하고 있다.
다니엘 아샴의 작품 세계를 이해하기 위한 핵심인 ‘상상의 고고학(the fictional archeology)’은 우리의 현재도 먼 미래에는 결국 과거가 된다는 인식에서 비롯되었다. 작가는 카메라, 마이크, 카세트 플레이어, 공중전화 같은 물건을 석고로 만들고, 모래와 화산재 같은 지질학적 재료를 활용해 이들을 방금 발굴된 것처럼 연출해 현재를 과거화하는 일련의 작업들을 선보였다. 낭만주의와 팝아트 사이에 자리한 섬뜩하면서도 장난스러운 아샴의 세계관 속에서 현재와 미래, 과거는 은유적으로 충돌하며, 작가는 특정한 상징과 표현의 무시대성을 문화 전반에 걸쳐 실험하고 있다.
Born in 1978 in the United States and based in Brooklyn, New York, Genesis Belanger works across a wide range of materials and techniques, including porcelain, stoneware, metal, wood, upholstery, and painting, to create psychologically charged mise-en-scènes. Her objects function as surrogates for human feeling and experience, addressing how advertising manipulates our psychology, the dynamics of consumption, issues of privacy in an increasingly online world, and mechanisms for coping with overwhelm.
Belanger’s work reconfigures everyday objects into scenes that are at once familiar and unsettling, prompting emotional and psychological responses. Closely tied to the visual language of consumer culture and advertising, her compositions critically examine the ways in which contemporary imagery shapes desire, emotion, and perception.
1978년 미국에서 태어나 뉴욕 브루클린을 기반으로 활동하는 제네시스 벨린저는 도자기, 석기, 금속, 목재, 업홀스터리, 회화 등 다양한 재료와 기법을 활용해 심리적으로 긴장감이 응축된 미장센을 구축하는 작가이다. 그녀의 오브제는 인간의 감정과 경험을 대리하는 존재로 기능하며, 광고가 우리의 심리를 어떻게 조작하는지, 소비의 구조와 역학, 점점 온라인화되는 사회에서의 사생활 문제, 그리고 과잉 자극 속에서의 심리적 대응 방식을 탐구한다.
벨린저의 작업은 일상적 사물을 친숙하면서도 불안한 장면으로 재구성함으로써 정서적 반응을 유도한다. 화면 속 대상들은 소비 문화와 광고 이미지에 깊이 연관되어 있으며, 현대 사회에서 상품과 시각 언어가 개인의 감정과 욕망에 미치는 영향을 비판적으로 드러낸다.
Born in 1960 in Padua, Italy, Maurizio Cattelan is one of the most popular and controversial figures in contemporary art. Drawing freely from the real world of people and objects, his practice operates as an irreverent intervention aimed at both art and its institutions. Through sculpture, installation, and performative gestures, Cattelan places familiar images into provocative contexts that elicit discomfort, humor, and critical engagement.
Cattelan’s work employs irony and playfulness to undermine authority, religion, politics, and the conventions of the art world itself. By distorting everyday objects and symbolic figures, he questions the nature of artistic value and the belief systems surrounding it. Beneath the apparent lightness of his gestures lies a sharp critique of institutional power and social consensus, positioning his work at the intersection of satire, provocation, and cultural reflection.
1960년 이탈리아 파도바에서 태어난 마우리치오 카텔란은 동시대 미술계에서 가장 대중적이면서도 논쟁적인 작가 중 한 명이다. 그는 현실 세계의 인물과 사물에서 자유롭게 차용한 이미지를 통해 예술과 제도 전반을 향한 냉소적이면서도 유희적인 개입을 시도해왔다. 조각, 설치, 퍼포먼스적 제스처에 이르기까지 그의 작업은 도발적인 맥락 속에서 전개되며, 관객으로 하여금 불편함과 웃음을 동시에 경험하게 만든다.
카텔란의 작업은 유머와 아이러니를 무기로 권위, 종교, 정치, 미술 제도의 구조를 전복하는 데 초점을 맞춘다. 일상적 오브제나 상징적 인물을 극단적으로 비틀어 제시함으로써, 그는 예술의 가치와 의미, 그리고 우리가 그것에 부여하는 신념을 질문한다. 가볍고 장난스러워 보이는 형식 이면에는 사회적 합의와 제도적 위선을 겨냥한 날카로운 비판이 자리하고 있으며, 이러한 긴장은 그의 작업을 지속적으로 논쟁의 중심에 놓이게 한다.
Born in 1959 in Paris, Jean-Philippe Delhomme paints scenes devoid of all human presence, based on direct observation of the urban landscapes of major cities such as New York, Paris, and Los Angeles. His perspective bears witness to the coalescence of past, present, and future, as manifested through architectural environments in constant transformation. Industrial buildings threatened with demolition to make way for new apartment blocks are among the sites that capture his attention, revealing moments of transition embedded within the city.
Delhomme’s landscapes unfold as “vistas” charged with literary and artistic references, functioning as spaces of reflection rather than mere representation. His paintings operate at the intersection of drawing, writing, and painting, serving as a unifying thread across the different modes of expression he has developed throughout his practice.
1959년 파리에서 태어난 장-필림 델롬은 뉴욕, 파리, 로스앤젤레스 등 주요 도시의경관을직접관찰한뒤,인간의존재가완전히배제된도시풍경을 회화로 그려내는 작가이다. 그의 도시 풍경은 과거, 현재, 미래가 중첩된 시간성을 드러내며, 끊임없이 변화하는 도시의 건축적 구조를 증언한다. 작가는 새로운 아파트 단지를 건설하기 위해 철거를 앞둔 공업용 건물과 같은 장면에 주목하며, 도시가 품고 있는 이행의 순간을 포착한다.
델롬의 풍경은 문학과 미술사적 레퍼런스로 충만한 ‘지평(vista)’으로 확장되며, 단순한 재현을 넘어 사유의 공간으로 기능한다. 그의 회화는 드로잉, 글쓰기, 회화라는 서로 다른 표현 형식 간의 연결 지점에 놓여 있으며, 이러한 매체 간 횡단은 델롬이 구축해온 작가적 인식의 총체를 형성한다.
Bernard Frize, a leading figure in French contemporary painting, was born in Saint-Mandé, France in 1949 and now works based in Berlin, Germany. From the 1970s to the present, Frize expanded his practice of conceptual abstraction throughout half a century. In Frize’s paintings, ‘abstraction’ is not presented in a difficult or heavy language but as a frame filled with sensational colors and energetic brushstrokes. Above his brushstrokes, paint spreads out with a mind of its own, disrupting structured lines and the remains of ambiguous masses and traces of the paint suggest all our senses: sight, sound, and touch. Breaking free of the traditional stereotype of abstract painting as esoteric, Frize’s paintings draw a new interaction from the viewers through his original expressive touches and reflect his complex and ever-evolving relations between him as an artist and his life, the act and materiality of painting.
프랑스 현대 회화를 대표하는 작가 베르나르 프리츠는 1949년 프랑스 생망데에서 태어났으며, 독일 베를린을 중심으로 활동하고 있다. 1970 년대부터 현재에 이르기까지, 반세기에 이르는 화업을 통해 작가는 독창적인 개념적 추상회화를 전개해 왔다. 프리츠의 회화에서 ‘추상’은 어렵고 무거운 관념적 언어가 아닌, 눈부신 색채와 역동적인 붓질로 가득 찬 화면으로 제시된다. 작가의 붓질 위로 물감은 제멋대로 번져나가며 체계적으로 그어진 획을 망가뜨리고, 무정형의 모호한 물감 덩어리와 흔적은 시각, 청각, 촉각을 아우르는 우리의 모든 감각을 암시한다. 기존의 난해한 추상회화에 대한 고정 관념을 탈피하고, 자신만의 표현 방법을 통해 작품과 관객 간의 새로운 교감을 이끌어내는 프리츠의 회화는 화가로서 자신의 삶, 작품의 물성, 그리는 행위와 같이 복합적이며 끊임없이 진화하는 관계를 반영하고 있다.
Born in 1969 in Shimane, Japan, Izumi Kato lives and works between Tokyo and Hong Kong. Children with disturbing faces, embryos with fully developed limbs, ancestor spirits locked up in bodies with imprecise forms—the creatures summoned by Kato are as fascinating as they are enigmatic. Their anonymous silhouettes and strange faces, largely absent of features, emphasize simple forms and strong colors; their elementary representation, an oval head with two big, fathomless eyes, depicts no more than a crudely figured nose and mouth. Bringing to mind primitive arts, their expressions evoke totems and the animist belief that a spiritual force runs through living and mineral worlds alike. Embodying a primal, universal form of humanity founded less on reason than on intuition, these magical beings invite viewers to recognize themselves.
Since the 2000s, he has garnered attention as an innovative artist through exhibitions held in Japan and across the world. In 2007, he was invited to take part in the 52nd Venice Biennale International Exhibition, curated by Robert Storr.
이즈미 카토는 1969년 일본 시마네현에서 태어나, 현재 도쿄와 홍콩을 오가며 작업하고 있다. 불안한 얼굴을 한 아이들, 완전히 발달한 신체를 지닌 배아, 불명확한 형태의 몸에 갇힌 영혼들 등, 작가가 불러내는 존재들은 매혹적이면서도 수수께끼 같은 미묘한 느낌을 준다. 특징이 거의 없는 익명의 실루엣과 낯선 얼굴은 단순한 형태와 강렬한 색을 강조한다. 타원형머리에두개의크고깊이를알수없는눈이나타나며,희미하게 그려진 코와 입을 제외하면 아무것도 묘사하지 않는다. 원시 미술을 떠올리게 하는 이 표정들은 토템과 생명과 무생물을 아우르는 영적인 힘에 대한 애니미즘 신앙을 연상시킨다. 이 마법 같은 존재들은 이성보다 직관에 기반한 원초적이고 보편적인 인간의 형태를 구현하며, 관람객들이 자기 자신을 인식하도록 초대한다.
이즈미 카토는 2000년대부터 일본과 전 세계 각지에서 열린 전시를 통해 국내외적 주목을 받았다. 2007년에는 로버트 스토어가 기획한 제 52회 베니스 비엔날레 국제전에 초청받았다.
Born in Cheongdo, Gyeongsangbuk-do, Korea, in 1956, Lee Bae works in between Paris, Seoul and Cheongdo since 1989 after graduating from Hongik University’s Painting Department. Charcoal is a key element in Lee Bae’s monochromes which hold an image of the cycle of life through charcoals’ characteristic of being produced when firing wood then also used to revive fire. Up to the early 2000s, Lee Bae created minimal and exquisite works utilizing “charcoal” itself, such as assemblage on canvas with fragments or chunks of charcoal or presenting carbonized wooden sculptures as objects. Working primarily with carbon black, reminiscent of charcoal, Lee Bae develops his abstract aesthetic by crossing the boundaries between drawing, sculpture, installation, and paintings based on irregular yet fundamental gestures.
이배는 1956년 경상북도 청도 출생으로, 홍익대학교 회화과를 졸업한 뒤 1989년 프랑스로 건너가 파리와 서울, 청도를 중심으로 작업하고 있다. 이배의 모노크롬 회화에서 ‘숯’은 핵심적인 요소이다. 나무를 태우는 과정에서 만들어지지만, 불을 되살리는 데에 사용되기도 하는 숯의 특성을 통해 작가는 삶의 순환에 대한 은유를 작품에 담고 있다. 2000 년대 초반까지 그는 숯의 파편이나 덩어리로 캔버스 위에 아상블라주 작업을 하거나, 탄화된 나무 기둥으로 만든 조각을 오브제로 제시하는 등, ‘숯’ 자체를 활용하는 미니멀하고 정교한 작품을 제작해 왔다. 숯을 연상시키는 카본 블랙을 중심으로 작업해 온 작가는 무작위적이며 근본적인 제스처를 바탕으로 한 회화 작품을 비롯해, 드로잉과 조각, 설치미술의 경계를 넘나들며 그만의 추상적인 미학 세계를 발전시켜 오고 있다.
Mr.’s neo-pop aesthetics spans painting, sculpture, installation, and video. Associated with the superflat movement, he uses manga and anime to portray his personal fantasies. While he consistently draws his themes and motifs from the otaku subculture or fandom, he is more specifically a self-described otaku artist. His cartoonish visions are essentially inhabited by young characters, who are meant to evoke feelings of moe (a Japanese notion relating to the adoration of fictional figures). In typical kawaii style, he sometimes depicts childlike features (round faces, wide eyes, colorful hair) with innocent undertones. Contrasting with the bright cheerfulness of his all-powerful characters, a wider reflection on solitude, social anxiety, and fear underlies his work. Specifically, the chaotic environments within which Mr. stages some of his exhibitions echo both Japan’s traumatic loss during World War II and the Fukushima Daiichi nuclear disaster.
미스터의 네오 팝 미학은 회화, 조각, 설치, 영상에 이르기까지 다양한 매체를 아우른다. 슈퍼플랫(Superflat) 운동과 연관된 작가로, 만화와 애니메이션을 활용해 자신의 개인적 판타지를 표현한다. 그의 작업은 지속적으로 오타쿠 서브컬처와 팬덤에서 주제와 모티프를 끌어오며, 그는 스스로를 오타쿠 작가라고 정의하기도 한다. 그의 만화적 상상 세계에는 주로 어린 캐릭터들이 등장하며, 이는 ‘모에(moe)’라 불리는 감정을 환기하기 위한 것이다. 모에는 일본에서 가상의 인물에 대한 애정과 동경을 의미하는 개념이다. 전형적인 ‘가와이(kawaii)’ 스타일 속에서, 그는 둥근 얼굴과 큰 눈, 다채로운 머리색 등 어린아이 같은 특징을 지닌 인물들을 때로는 순진한 분위기와 함께 묘사한다. 그러나 이러한 전능한 캐릭터들이 지닌 밝고 경쾌한 분위기와는 대조적으로, 그의 작업에는 고독, 사회적 불안, 그리고 두려움에 대한 보다 넓은 성찰이 깔려 있다. 특히 미스터가 일부 전시에서 연출하는 혼란스러운 환경은 제2차 세계대전 동안 일본이 겪은 트라우마적 상실과 후쿠시마 제1원자력발전소 사고라는 재난을 동시에 환기한다.
Takashi Murakami, who has a PhD in nihonga painting, combines the most cutting-edge techniques with the precision and virtuosity of traditional Japanese art. Inspired by anime and character culture, his irresistible world is peopled by monstrous and charming characters alike, facetiously portrayed as descendants of past myths. His theory of Superflat aesthetic, which he introduced in 2001 with the trilogy exhibition he curated (the third part was titled “Little Boy,” a reference to the code name for the atomic bomb dropped on Hiroshima in 1945), attempts to blur the boundaries between popular art and high art; Superflat movement has explored the evolution of Japan’s understanding of its post-Hiroshima social condition and the interrelationships between vanguard art, manga and anime, and their forerunner, Nihonga. The absence of perspective, the two-dimensionality of ancient Japanese art, filters into every medium.
Since his first monographic exhibition outside Japan in 1995 at Perrotin, Murakami has achieved recognition as one of the most prominent contemporary artists of his time, and his work has been featured in numerous solo exhibitions at museums and art institutions throughout the world.
니혼가 회화로 박사 학위를 받은 무라카미 다카시는 최첨단 기법과 일본 전통 미술의 정밀함과 기교를 결합하는 작가다. 애니메이션과 캐릭터 문화에서 영감을 받은 그의 세계는 기괴하면서도 매력적인 캐릭터들로 가득 차 있으며, 이들은 과거 신화의 후손인 것처럼 유머러스하게 묘사된다. 그가 2001년 자신이 기획한 3부작 전시를 통해 제시한 ‘슈퍼플랫(Superflat)’ 미학 이론(세 번째 전시의 제목은 1945년 히로시마에 투하된 원자폭탄의 코드명을 참조한 “Little Boy”)은 대중미술과 순수미술 사이의 경계를 흐리고자 하는 시도였다. 슈퍼플랫 운동은히로시마이후일본사회가처한상황에대한인식이어떻게변화해 왔는지,그리고전위미술,만화와애니메이션,나아가그선구라할수있는 니혼가 사이의 상호 관계를 탐구해 왔다. 원근법의 부재와 고대 일본 미술의 평면성은 그의 다양한 매체 전반에 스며들어 있다.
다카시는 1995년 페로탕에서 일본 외 지역에서의 첫 개인전을 개최한 이후 동시대 미술을 대표하는 작가 중 한 명으로 자리매김했으며, 그의 작업은 세계 각지의 미술관과 예술 기관에서 수많은 개인전을 통해 소개되어 왔다.
Danielle Orchard, born in 1985 in Michigan City, Indiana, and based in Pelham, Massachusetts, is an American artist renowned for her vibrant and evocative paintings that explore themes of femininity, identity, and human emotion. Orchard's work is celebrated for its bold color palette, dynamic compositions, and its unique fusion of contemporary aesthetics with classical influences. Her artistic journey began at Indiana University and Hunter College, New York, where she honed her craft and developed a distinctive style that bridges the gap between traditional painting techniques and modern visual culture. Her work often features a blend of abstract and figurative elements, capturing the complexities of the human experience with both sensitivity and strength.
Danielle Orchard’s artistic practice is distinguished by her innovative use of color, form, and texture to explore complex themes of identity and emotional depth. Employing a vibrant palette and dynamic brushwork, she merges abstract and figurative elements to create evocative compositions that both captivate and challenge the viewer. The rich surfaces of her paintings ultimately reflect the intricacies of the human experience: in all her work, the figures present are simultaneously both Orchard and not her, symbolic of broader ideas and narratives. Through her paintings, she seeks to convey the multifaceted nature of femininity and the internal landscapes of her subjects, aiming to provoke introspection and dialogue. They are not only a celebration of visual beauty but also an invitation to engage with the nuanced and often unspoken aspects of personal and collective identity.
1985년 출생의 미국 작가 다니엘 오차드는 여성성, 정체성, 인간 감정을 주제로 한 활기차고 연상적인 회화 작품을 선보이는 작가이다. 오차드의 작품은 대담한 색상 팔레트, 역동적인 구도, 현대적 미학과 고전적 영향의 독특한 융합으로 널리 알려져있다. 전통적인 회화 기법과 현대 시각 문화 사이의 간극을 메우는 독특한 시각적 스타일을 바탕으로 하는 오차드의 작품에는 추상적 요소와 구상적 요소가 혼합되어 있으며, 인간 경험의 복잡성을 감성과 힘으로 포착하는 것이 특징이다.
다니엘 오차드는 정체성과 정서적 깊이라는 복잡한 주제를 탐구하기 위해 색, 형태, 질감을 독자적인 방식으로 사용한다. 생동감 넘치는 팔레트와 역동적인 붓놀림을 사용하는 작가는 추상적인 요소와 구상적인 요소를 결합하여 보는 이를 사로잡는 동시에, 여러 상상을 가능케하는 연상적인 구성을 만들어낸다. 오차드 작품에 나타나는 풍부한 요소들은 궁극적으로 인간 경험의 복잡성을 반영한다. 그의 모든 작품에 등장하는 인물은 작가 자신인 동시에 자신이 아닌, 더 폭 넓은 아이디어와 내러티브를 상징한다. 오차드는 그림을 통해 여성성의 다면적인 본질과 피사체의 내면 풍경을 전달하여 성찰과 대화를 유도하고자 한다. 그의 작품들은 시각적 아름다움에 대한 찬사일 뿐만 아니라 개인 혹은 집단의 미묘한정체성에대한탐구라고할수있다.
GaHee Park, born in 1985 in Seoul, South Korea, and now based in Montreal, Canada, is a contemporary artist renowned for her dramatic and abstract paintings brimming with eroticism and ambiguity. Having studied at the Tyler School of Arts in Philadelphia and Hunter College in New York City, Park’s depictions of domestic life constantly blur the line between the sensual and the sinister. Using abstract figures and objects to construct cryptic scenes, whether featuring elaborate dinners with peering cats or intimate bedroom moments with a three-mouthed figure, Park constantly removes her work from realism to imbue her paintings with a sense of liberation; to truly express herself as she pleases.
Starting with a preliminary sketch, Park applies flat planes of oil onto linen, creating vibrant and raw compositions. Combining the smooth expanse of color and the mysterious, obscure narratives taking place within, Park positions the audience as a spectator to the unfolding scenes. Employing recurring motifs, such as fishes and plants, Park's work often reflects her own emotions and personal experiences of being a South Korean woman from a strict religious household, working to succeed within a contemporary art scene rooted in sexism and racism. On one hand providing a platform for her fantasies, her gazes, and her histories, Park’s paintings also serve as a celebration of the human experience in all its complexity, aiming to dismantle stereotypes and embrace the messiness of individual existence.
1985년 서울 출생의 박가희는 현재 캐나다 몬트리올을 중심으로 활동하고 있다. 그는 에로티시즘과 모호함이 가득한 드라마틱하고 추상적인 회화로 잘 알려져있다. 일상적인 생활 반경을 묘사하는 듯한 그의 그림은 관능과 불길함 사이를 오간다. 추상적인 인물과 오브제를 사용해 고양이와의 저녁 식사나 입이 세 개인 인물의 침실 속 장면과 같은 미스터리하고 비밀스러운 장면을 구상하는 작가는 자신의 작업을 통해 사실주의에서 벗어난 해방감을 선사하고 있다.
이렇듯 생생한 장면들은 주로 린넨 위에 그려진 유화 작업으로 만들어진다. 매끄럽게 펼쳐지는 색채와 작품 속에서 일어나는 신비로운 내러티브는 보는 이를 펼쳐지는 장면의 관객으로 초대한다. 물고기와 식물 같이 그의 작품에서 반복되는 모티프는 엄격한 집안에서 성장한 한국 여성으로서의 정체성, 성차별과 인종차별이 만연했던 사회 속 작가로서 커리어를 이룩하기 위해 노력한 작가의 개인적 감정과 경험을 반영한 것이다. 작가는 고정관념을 해체하고 개별적 존재의 정체성과 혼란스러움을 포용하며, 우리의 모든 복잡하고 내밀한 서사와 경험을 기록해 기념하고 있다.
Born in 1931 in Yecheon, Gyeongsangbuk-do, Park Seo-Bo is a leading figure in Korean contemporary art and a central artist of the Dansaekhwa (Korean monochrome) movement. Emerging in the early 1970s in postwar Korea, Dansaekhwa developed as a synthesis of traditional Korean sensibility and Western abstraction, later gaining international recognition. Although never defined by a manifesto, artists associated with the movement—including Chung Chang-Sup and Lee Ufan—are known for their restrained palettes of white, beige, and black, their emphasis on materiality, and their repetitive, systematic processes.
Process and discipline are fundamental to Park’s practice, marking a clear departure from his early work. In 1957, he co-founded the Hyun-Dae Artists Association, engaging with art informel as a means for young Korean artists to express postwar trauma. After receiving a UNESCO scholarship in 1961, he spent a year in Paris, further developing his engagement with art informel. This influence is evident in his early 1960s Primordialis series, characterized by aggressive brushwork, dark tones, and amorphous forms. By the mid-1960s, Park turned away from Western models and grounded his work in Eastern philosophy, establishing a meditative and performative approach to painting.
1931년 경상북도 예천에서 태어난 박서보는 한국 현대미술을 대표하는 작가이자 단색화(Dansaekhwa) 운동의 주요 인물이다. 단색화는 1970 년대 초 전후 한국 사회에서 형성된 흐름으로, 한국적 정신성과 서구 추상의 조형 언어를 결합하며 이후 국제적으로 주목받았다. 명확한 선언문 없이 전개된 이 흐름 속에서 박서보를 비롯해 정창섭, 이우환 등의 작가들은 흰색·베이지·검정 등 절제된 색채, 물질성과 행위의 강조, 반복적이고 체계적인 제작 과정을 공유했다.
박서보의 작업은 과정과 수행성에 대한 집중으로 특징지어진다. 그는 1957년 앵포르멜을 기반으로 한 현대미술가협회를 결성하며 전후 한국 사회의 현실을 격정적인 추상 언어로 표출하고자 했고, 1961년 유네스코 장학금을 통해 파리에서 앵포르멜에 대한 이해를 심화시켰다. 1960년대 초반의 <원형질> 연작에서는 거친 붓질과 어두운 색조, 비정형적 형태가 두드러진다. 그러나 1960년대 중반 이후 서구적 접근을 벗어나 동양 철학에 기반한 작업으로 전환하며, 반복과 절제를 중심으로 한 수행적 회화의 방향을 확립했다.
Born in 1943 in Tongyeong, Gyeongsangnam-do, Shim Moon-Seup is a pioneering figure in modern Korean sculpture whose practice explores nature and temporality beyond fixed genres and media. He gained international recognition with the Excellence Award at the 2nd Henry Moore Grand Prize Exhibition in 1981 and was named Chevalier of the Ordre des Arts et des Lettres by the French government in 2007. His use of elemental materials such as wood, stone, earth, and iron challenges conventional sculptural definitions through an experimental, anti-sculptural approach.
The Presentation painting series, initiated in the 2000s, extends this long-standing inquiry into a two-dimensional format. Inspired by the sea of Tongyeong, the repetitive brushstrokes evoke cycles of creation and destruction, reflecting the temporality of matter. Through this series, Shim blurs the boundary between sculpture and painting, foregrounding process, material, and time as core concerns of his practice.
1943년 경상남도 통영에서 태어난 심문섭은 한국 현대 조각을 대표하는 작가로, 고정된 장르와 매체의 경계를 넘어 자연과 시간성을 탐구해왔다. 그는 1981년 제2회 헨리 무어 그랑프리 국제조각전에서 우수상을 수상하며 국제적 주목을 받았고, 2007년 프랑스 문화예술공로훈장 슈발리에를 수훈했다. 나무, 돌, 흙, 철 등 자연적이고 원초적인 재료를 활용한 그의 작업은 조각의 물질성과 구조에 대한 근본적인 질문을 제기한다.
2000년대부터 이어진 회화 연작 <Presentation> 이러한 탐구를 평면으로 확장한 작업이다. 작가의 고향 통영의 바다에서 영감을 받은 반복적인 붓질은 생성과 소멸의 순환을 암시하며, 물질의 시간성을 시각화한다. 이 연작은 조각과 회화의 경계를 흐리며, 심문섭 작업 전반에 흐르는 자연, 행위, 시간에 대한 사유를 응축해 보여준다.
Born in 1984 and based in Ithaca, New York, Josh Sperling has been creating original works on canvas that encompass multiple genres. Blurring the lines between 1960s-1970s minimalism, abstract painting, architecture and design, Sperling's background in graphic design, cabinetry, woodwork and sculpture are naturally integrated into his work. The plywood panels of his canvases are intricately assembled like puzzles to form dynamic, geometric shapes, filled with intense primary or complementary colors that engage the viewer's senses.
Sperling draws inspiration from a wide range of sources to create a unique visual vocabulary characterized by boundless energy and expression. He is particularly influenced by the Memphis Group, an Italian design collective that operated from the early to mid-1980s; Googie style of architecture popularized in California in the 1940s; and abstract painters such as Stuart Davis and Ellsworth Kelly. Breaking away from the conventional rectangular canvas, Sperling experiments with atypical shapes like circles, triangles, and curves, continually expanding the possibilities of visual art through his own pictorial language.
1984년 미국 뉴욕주에서 출생하여 뉴욕주 이타카를 중심으로 작업하는 조쉬 스펄링은 1960-1970년대의 미니멀리즘, 추상 회화, 건축과 디자인, 조각과 회화의 경계를 모호하게 하며, 동시에 이 모든 장르를 아우르는 독창적인 캔버스 작업을 선보여왔다. 조각을 전공하고, 캐비닛 메이커로 일하며 직접 가구를 제작했던 경험과 그래픽 디자이너로 활동하며 익힌 기술은 스펄링의 작업에 자연스럽게 녹아 들어있다. 그의 캔버스의 합판은 퍼즐을 맞추듯 정교하게 조립되어 역동적이면서 기하학적인 형태를 갖추고 있고, 강렬한 원색이나 보색으로 채워져 보는 이의 오감을 자극한다.
스펄링은 디자인부터 미술사까지 다양한 자료에서 영감을 얻어 표현력과 무한한 에너지가 돋보이는 독특한 시각적 어휘를 만들어냈다. 작가는 특히 1980년대 이탈리아 산업 디자이너들이 결성한 멤피스 그룹, 1940 년대 캘리포니아에서 유행한 건축 양식인 구기(Googie) 스타일, 스튜어트 데이비스와 엘즈워드 켈리 등의 추상화가에게 많은 영향을 받았다. 원, 삼각형, 곡선 등 비정형적 이미지로 사각형의 전형적인 화면에서 벗어나, 스펄링은 자신만의 회화 언어를 고안하며 시각 미술의 가능성을 확장하는 실험을 계속하고 있다.
Painter, illustrator, sci-fi writer and manga artist, AYA TAKANO is inspired by all art forms, from erotic stamps of the Edo Period to impressionism, from Osamu Tezuka to Gustav Klimt. The artist has built a universe all her own. A universe made of infinite worlds, all means of escaping reality, gravity and its restraints, to attain a certain form of transcendence.
AYA TAKANO’s inner journeys wind their way into delicate works that convey a disturbing impression, somewhere between eroticism and impertinence. In a bedroom or in the metro, in front of the skyscrapers of a megalopolis or on the moon, naïve and androgynous girls are sketched out in thin, sharp lines. The artist’s mythology has construct- ed itself little by little, through her creations and visions of the unknown. In March 2011, a violent tsunami struck the northeastern coasts of Japan and led to the nuclear accident of Fukushima. A real wake-up call for the artist, this catastrophe deeply influenced her work. Preferring oil paint, which is more natural, to acrylic paint, for example, AYA TAKANO seems to pursue a new artistic quest, both humble and spiritual, influenced by a unique interest in science and guided by an absolute respect for nature and human life.
화가이자 일러스트레이터, 공상과학 작가, 만화가인 아야 타카노는 에도 시대의 춘화 우표에서 인상주의에 이르기까지, 그리고 오사무 데즈카에서 구스타프 클림트에 이르기까지 다양한 예술 형식에서 영감을 받아왔다. 작가는 자신만의 세계관을 구축해왔다. 그 세계는 무수히 많은 세계들로 이루어져 있으며, 현실과 중력, 그리고 그것이 부과하는 제약으로부터 벗어나 일종의 초월에 도달하려는 탈주의 장이 된다.
아야 타카노의 내면적 여정은 섬세한 작품들로 이어지며, 그 작품들은 에로티시즘과 도발 사이 어딘가에 위치한 불안한 인상을 전달한다. 침실이나 지하철, 거대 도시의 마천루 앞이나 달 위에서, 순진하면서도 중성적인 소녀들이 가늘고 날카로운 선으로 그려진다. 작가의 신화적 세계는 이러한 창작과 미지에 대한 비전을 통해 서서히 구축되어 왔다. 2011년 3월, 일본 북동부 해안을 강타한 거대한 쓰나미는 후쿠시마 원전 사고로 이어졌다. 이 재난은 작가에게 일종의 각성의 계기가 되었으며, 그의작업에깊은영향을미쳤다.예를들어보다자연적인재료인유화를 아크릴 물감보다 선호하게 된 것처럼, 아야 타카노는 과학에 대한 독특한 관심과 자연과 인간의 삶에 대한 절대적인 존중에 이끌려, 보다 겸허하고 정신적인 새로운 예술적 탐구를 이어가고 있다.
Born in 1983 in Oklahoma City, Oklahoma, USA, Kelly Beeman has gained recognition for a distinctive practice that blends visual storytelling with fashion aesthetics. Although she never received formal art training, Beeman began drawing and painting scenes from a young age as imaginative play with her siblings. Growing up in Oklahoma City instilled in her a deep longing for exploration, leading her to relocate to New York in 2004. After completing a sociology degree at Hunter College, her time living abroad in Bolivia and Argentina marked a shift in her creative approach toward figurative compositions that recount personal narratives.
Beeman’s work emphasizes character and mood through carefully crafted attire, often of her own conception or adapted from vintage styles, moving away from extravagant designer fashion. Her compositions explore the relationship between figures and their immediate surroundings, resulting in visually harmonious and engaging works that evoke a sense of narrative and introspection.
1983년 미국 오클라호마시티에서 태어난 켈리 비맨은 시각적 서사와 패션적 미학이 결합된 독자적인 회화와 일러스트레이션으로 주목받는 작가이다. 정규 미술 교육은 받지 않았지만, 어린 시절부터 형제들과 함께하는 놀이 속에서 스케치와 그림을 시작하며 작업의 기초를 다졌다. 오클라호마시티에서의 성장 경험은 탐험과 이동에 대한 열망을 키웠고, 이는 2004년 뉴욕으로의 이주로 이어졌다. 사회학 학위를 마친 이후 볼리비아와 아르헨티나 등지에서 생활한 경험은 그녀의 창작 방식을 변화시켰으며, 개인적 서사를 담은 구상 작업으로의 전환을 가져왔다.
비맨의 작업은 인물과 그들이 착용한 의상을 통해 캐릭터와 분위기를 드러내며, 초기의 즉흥적이고 표현적인 스타일에서 벗어나 세심하게 구성된 회화적 장면으로 발전했다. 의상은 대부분 비맨이 직접 고안하거나 빈티지 스타일에서 차용한 것으로, 과도한 디자이너 패션을 벗어나 인물의 정체성과 감정을 드러내는 장치로 기능한다. 그녀의 작품은 인물과 주변 환경 간의 관계를 섬세하게 탐구하며 시각적으로 조화롭고 매혹적인 장면을 제시한다.
