Born in Bogota, Columbia in 1983, Iván Argote is an artist based in France working freely across various media including sculpture, installation, and film to question the close relationship between people, institutions, beliefs, and systems of power. Through the affect, emotion, and humor in his work, he proposes a critical approach to dominant historical narratives, attempting to decenter them. Argote’s previous presentations of intervening in public space test our special relationship with history and relics. By simulating the removal of a statue in honor of Marshal Joseph Galliéni in Paris (Au Revoir Joseph Gallieni, 2021) and the relocation of a sculpture dedicated to Christopher Columbus in Madrid (Paseo, 2022) the artist metaphorically exposes our illusion and attachment to the fictional narratives that constitute the history of nations.

Wild Flowers is a series of sculptures reproducing different parts of the George Washington statue on Wall Street. These isolated body parts (torso, pelvis, hands, fingers, feet) were hollowed out and cast in bronze. The sculptures act as flowerpots, containing plants native to the region where they are exhibited. Wild Flowers shows an "anticipation" of a future where nature would take over and invade the debris of a statue erected to the glory of the "founding father" of the United States.

1983년 콜롬비아 보고타에서 출생하여 프랑스를 중심으로 활동하는 작가 이반 아르고테는 조각, 설치, 영화 등 다양한 매체를 자유롭게 오가며, 작품을 통해 타인, 제도, 신념과 권력 체계의 긴밀한 관계에 대해 의문을 제기한다. 그는 작품을 통해, 정감이나 감정, 유머를 전략으로 삼아 지배적인 역사 서사에 대한 비판적 접근 방식을 제안하고, 이를 탈중심화하려고 시도한다. 그가 작품을 통해 선보이는 공공 공간에 대한 개입은 우리가 역사 및 유물과 맺고 있는 특별한 관계를 실험하는 것이다. 일례로 그의 파리 조셉 갈리에니 장군 동상 철거 시뮬레이션(Au Revoir Joseph Gallieni, 2021)이나 마드리드 콜럼버스 조각상 이전 시뮬레이션(Paseo, 2022)은 국가 역사를 구성하는 허구적 서사에 대한 우리의 환상과 집착을 은유적으로 드러내는 작품이라고 할 수 있다.

<Wild Flowers> 시리즈는 뉴욕 월 스트리트에 있는 조지 워싱턴 동상을 부분적으로 재현한 작품이다. 작가는 청동으로 주조한 동상을 몸통, 골반, 손, 손가락, 발 등 여러 신체 부위로 나누었다. 이 연작은 전시되는 지역에서 자생하는 야생화를 담는 화분 역할을 한다. 야생화는 미국 ‘건국의 아버지’의 영광을 기리기 위해 세워진 동상의 잔해를 자연이 장악하고 침범할 ‘미래’를 암시한다.

Exhibited:

≪Return to Nature≫, Pearl Art Museum, Shanghai, 2023. 6. 22. - 10. 25.

Sophie Calle, born in Paris in 1953, is a French conceptual artist who is best known for her distinct narrative elements and frequent combination of images with text. The Ghosts of Orsay is a series of 9 works originally presented in her 2022 solo show at the Paris Orsay Museum. The building was an abandoned train station and hotel before it became the Orsay Museum with a notable French national collection of 19th-century art. In the years 1978 to 1981, the artist spent her days in Room 501 of the abandoned hotel, chasing traces of the past. When she returned to the site to prepare her solo show in 2022, she encountered several ghosts of Orsay: the former hotel guest, the museum visitors, and her own from her past stays.

The series of composed texts delving into the artist’s shared history with this emblematic Parisian building, three black and white photographs shot at the time she stayed in Room 501, a text compiling notes addressed to Oddo (the former hotel handyman), a colored photograph of the back of the canvas of Cuno Amiet’s Deep Winter, and a colored photograph of a painting now belonging to the collection of the Orsay Museum.

프랑스의 개념미술가 소피 칼은 1953년 파리 출생으로, 독특한 내러티브와 이미지, 텍스트를 조합하는 작업 방식으로 잘 알려져 있다. <The Ghosts d’Orsay(오르세의 유령)>은 2022년 파리 오르세 미술관에서 열린 소피 칼의 개인전에서 선보여진 작품이다. 오르세 미술관은 19세기 프랑스 국립 미술품을 포함한 중요 소장품을 지닌 현재의 모습이 되기 전에는 오랜 기간 운영이 중지된 기차역과 호텔이었다. 작가는 1978년부터 1981년까지 이 빈 호텔의 501호에 오가고, 머무르기도 하며 과거의 흔적을 쫓았다. 2022년 미술관 전시를 준비하며 이곳을 다시 찾았을때, 작가는 과거 호텔의 투숙객, 미술관의 관람객, 그리고 호텔에 머무르던 과거의 자신을 비롯한 오르세의 여러 유령을 마주하게 된다.

작품의 각 부분은 파리의 상징으로 자리잡은 이 미술관 건물과 그 역사를 탐구하는 문헌 자료, 작가가 과거 501호에 머물며 찍은 흑백 사진 세 장, 오도(호텔 종업원)에게 발송한 메모, 퀴노 아미에의 작품 <Deep Winter>의 캔버스 뒷면을 찍은 사진, 현재 오르세 미술관에 소장된 그림의 컬러 사진으로 구성되어 있다.

Exhibited:

≪Les fantômes d’Orsay≫, Musée d’Orsay, Paris, 2022. 3. 15. - 6. 19.

Bernard Frize, a leading figure in French contemporary painting, was born in Saint-Mandé, France in 1949 and now works based in Berlin, Germany. From the 1970s to the present, Frize expanded his practice of conceptual abstraction throughout half a century. In Frize’s paintings, ‘abstraction’ is not presented in a difficult or heavy language but as a frame filled with sensational colors and energetic brushstrokes. Above his brushstrokes, paint spreads out with a mind of its own, disrupting structured lines and the remains of ambiguous masses and traces of the paint suggest all our senses: sight, sound, and touch. Breaking free of the traditional stereotype of abstract painting as esoteric, Frize’s paintings draw a new interaction from the viewers through his original expressive touches and reflect his complex and ever-evolving relations between him as an artist and his life, the act and materiality of painting.

프랑스 현대 회화를 대표하는 작가 베르나르 프리츠는 1949년 프랑스 생망데에서 태어났으며, 독일 베를린을 중심으로 활동하고 있다. 1970년대부터 현재에 이르기까지, 반세기에 이르는 화업을 통해 작가는 독창적인 개념적 추상회화를 전개해 왔다. 프리츠의 회화에서 ‘추상’은 어렵고 무거운 관념적 언어가 아닌, 눈부신 색채와 역동적인 붓질로 가득 찬 화면으로 제시된다. 작가의 붓질 위로 물감은 제멋대로 번져나가며 체계적으로 그어진 획을 망가뜨리고, 무정형의 모호한 물감 덩어리와 흔적은 시각, 청각, 촉각을 아우르는 우리의 모든 감각을 암시한다. 기존의 난해한 추상회화에 대한 고정 관념을 탈피하고, 자신만의 표현 방법을 통해 작품과 관객 간의 새로운 교감을 이끌어내는 프리츠의 회화는 화가로서 자신의 삶, 작품의 물성, 그리는 행위와 같이 복합적이며 끊임없이 진화하는 관계를 반영하고 있다.

Born in Berlin, Germany in 1969, Thilo Heinzmann studied at the Städelschule in Frankfurt. Heinzmann is a painter in the emphatic sense of the word, fully invested in reinventing and recalibrating the capacities of the medium, while keeping a keen eye on that painting’s rich history. Using chipboard, styrofoam, nail polish, resin, pigment, fur, cotton wool, porcelain, aluminum, and hessian, Heinzmann has worked on developing new paths and a distinctive visual language in his practice. His interest lies in the presence that each work creates, which is further enhanced by his paintings’ powerful tactile qualities. It invites the viewer to notions on the fundamental and essential elements of painting: composition, surface, form, color, light, texture, and time.

1969년 독일 베를린에서 태어난 틸로 하인츠만은 프랑크푸르트의 슈테델슐레 순수미술아카데미에서 수학했다. 하인츠만은 자기 자신을 철저히 화가로 정의한다. 그에게 화가란 회화의 물성을 재발견하고 재조정하는데 천착하며, 회화가 지닌 풍부한 유산에 대한 자각을 잃지 않는 것을 의미한다. 하인츠만은 합판, 스티로폼, 매니큐어, 레진, 양피지, 가죽, 안료, 모피, 면직물, 자기, 알루미늄, 마포 등 다양한 재료를 이용해 그의 작업에서 새로운 방법론과 독특한 시각 언어를 고안하고자 했다. 그는 각 작품이 만들어내는 존재감에 관심이 있으며, 이는 그의 작품이 갖고 있는 촉각적 특성에 의해 더욱 강하게 드러난다. 그리고 이것은 관객으로 하여금 구성, 표면, 형태, 색상, 빛, 질감과 시간 같은 회화의 기초적이며 필수적인 요소에 대한 개념을 환기시킨다.

Exhibited:

≪The Power of Painting≫, Ennova Art Museum, China, 2023. 9. 28. - 2024. 1. 28.

Born in Cheongdo, Gyeongsangbuk-do, Korea, in 1956, Lee Bae works in between Paris, Seoul and Cheongdo since 1989 after graduating from Hongik University’s Painting Department. Charcoal is a key element in Lee Bae’s monochromes which hold an image of the cycle of life through charcoals’ characteristic of being produced when firing wood then also used to revive fire.

Up to the early 2000s, Lee Bae created minimal and exquisite works utilizing “charcoal” itself, such as assemblage on canvas with fragments or chunks of charcoal or presenting carbonized wooden sculptures as objects. Working primarily with carbon black, reminiscent of charcoal, Lee Bae develops his abstract aesthetic by crossing the boundaries between drawing, sculpture, installation, and paintings based on irregular yet fundamental gestures.

이배는 1956년 경상북도 청도 출생으로, 홍익대학교 회화과를 졸업한 뒤 1989년 프랑스로 건너가 파리와 서울, 청도를 중심으로 작업하고 있다. 이배의 모노크롬 회화에서 ‘숯’은 핵심적인 요소이다. 나무를 태우는 과정에서 만들어지지만, 불을 되살리는 데에 사용되기도 하는 숯의 특성을 통해 작가는 삶의 순환에 대한 은유를 작품에 담고 있다.

2000년대 초반까지 그는 숯의 파편이나 덩어리로 캔버스 위에 아상블라주 작업을 하거나, 탄화된 나무 기둥으로 만든 조각을 오브제로 제시하는 등, ‘숯’ 자체를 활용하는 미니멀하고 정교한 작품을 제작해 왔다. 숯을 연상시키는 카본 블랙을 중심으로 작업해 온 작가는 무작위적이며 근본적인 제스처를 바탕으로 한 회화 작품을 비롯해, 드로잉과 조각, 설치미술의 경계를 넘나들며 그만의 추상적인 미학 세계를 발전시켜 오고 있다.

Takashi Murakami, a leading figure in Japanese contemporary and a pop artist, was born in Tokyo, Japan in 1962 and studied Japanese painting at Tokyo University of the Arts, where he later achieved a PhD. Murakami introduced the concept of the "Superflat," which blurs the boundaries between fine and popular art, incorporating and combining otaku culture, a prominent aspect of Japanese mass culture, into high art.

In 2000, Murakami curated a group exhibition Superflat at the Parco Museum, Tokyo and Parco Gallery, Nagoya and presented the show again at Los Angeles Museum of Contemporary Art (MOCA) in the following year. Through the exhibition, where he claimed the "flatness" of Japanese art history and the cultural phenomenon in which social classes and popular preference became "flattened" and the distinction between high and low was blurred, the artist sought to explore the interrelationships between Western culture and Japanese society and art, and anime and Japanese painting. He continues his experimentation with the boundaries of art, exploring its infinite possibilities through collaborations with fashion brands, corporations, entertainment, influencers, and commercial characters.

일본을 대표하는 현대미술가이자 팝아티스트인 무라카미 다카시는 1962년 일본 도쿄에서 출생, 도쿄 예술대학에서 일본화를 전공했으며, 이후 박사 학위를 취득했다. 다카시는 순수 미술과 대중 예술을 모두 아우르며, 그 경계를 모호하게 만드는 ‘슈퍼플랫’ 개념을 생산하였고, 이를 통해 일본 대중 문화의 대표적 양상인 오타쿠 문화를 고급 미술에 편입, 결합한 인물이다.

2000년, 그는 도쿄 파르코 미술관과 나고야 파르코 갤러리에서 단체전 《슈퍼플랫》을 기획하고, 이듬해 로스앤젤레스 현대미술관(MOCA)에서 해당 전시를 다시 선보였다. 전시를 통해 다카시는 일본 미술사의 ‘플랫함’과 사회 계급과 대중의 기호가 ‘납작’해지고, 고급과 저급의 차이가 모호해지는 문화적 양상을 담은 ‘슈퍼플랫’ 이론을 제시하며, 전후 일본 사회와 예술, 애니메이션과 일본화, 서구 문화 간 상호 관계를 탐구하고자 하였다. 다카시는 패션 브랜드, 기업, 엔터테인먼트, 인플루언서, 상업 캐릭터 등과의 협업으로 예술의 무한한 가능성을 모색하며, 여전히 그 경계를 실험하고 있다.

Born in 1971 in Milan, Italy, Paola Pivi is a multimedia artist based in both Milan and Alaska. She initially pursued studies in chemistry at Politecnico di Milano but later found her passion for art and enrolled in Accademia di Brera. Describing art as an "impossible miracle," Pivi utilizes unrealistic elements as materials for her work, creating a surreal dimension of everyday life that never truly existed. Her enigmatic creations blend the alien with the familiar. Through altering the scale of commonplace objects or applying unconventional colors and materials, Pivi prompts viewers to perceive them in a new light. Spanning sculpture, video, photography, performance, and installation, the artist continually pushes the boundaries of perception, turning the impossible into possible.

1971년 이탈리아 밀라노에서 태어난 파올라 피비는 알래스카와 밀라노를 중심으로 활동하는 멀티미디어 아티스트이다. 밀라노 공과대학교에서 화학을 공부했으나, 예술에 매료되어 공학 공부를 중단하고 브레라 국립미술원에 입학했다. 예술을 ‘불가능한 기적’이라고 말하는 작가는 비현실적 요소들을 예술의 재료들로 활용하여, 실제로 일어나지 않은 다른 차원의 일상을 눈앞에 펼쳐 보인다. 수수께끼 같은 그의 작품에는 낯설음과 익숙함이 혼재되어 있다. 주변에서 볼 수 있는 익숙한 대상의 규모를 변형하거나, 그것에 새로운 색과 재료를 적용함으로써 관객이 그것을 낯설게 보도록 유도하는 것이다. 조각, 비디오, 사진, 퍼포먼스, 설치까지 다양한 영역을 아우르는 작가는 불가능한 것을 가능하게 만들며 우리가 지각하는 한계를 벗어나는 시도를 계속하고있다.