Cette exposition propose de multiples points d’entrée dans l’oeuvre de Koak. L’énergie qui se dégage des formes et des couleurs est immédiatement perceptible. Formée au médium littéraire visuel du comics, Koak a importé dans le champ de la peinture la puissance communicationnelle de la ligne, qu’elle compare à « une sorte de langage qui traverse [sa] pratique (de dessin, de peinture et de sculpture), dont le ton et l’intonation peuvent changer radicalement avec la moindre variation de sa courbe ou de son épaisseur. »

Le sous-texte autobiographique de l’exposition, par une représentation discrète des liens familiaux et intergénérations, se laisse discerner de façon plus diffuse. Koak décrit son exposition comme « la plus personnelle que j’ai créée depuis longtemps ». L’artiste souligne le lien profond et intime qu’elle entretient avec les oeuvres. Dans plusieurs peintures de cette exposition, Koak évoque ses propres souvenirs et liens familiaux et les représente à des degrés de détail et d’abstraction qui varient impénétrablement, comme dans les trois « portraits-fenêtres » de sa grand-mère (Nancy in Blue), de sa mère (Carmine), et d’elle-même (Self Portrait from a Green Window).

Les quatre salles de l’exposition incarnent chacune l’un des thèmes majeurs de l’oeuvre. La première, en forme d’introduction, est travaillée par l’interaction entre abstraction et réalisme dans l’exploration permanente que fait Koak du personnage. Un motif récurrent est introduit – les coquillages et les spirales – deux formes qui thématisent non seulement un rapport à la nature, mais également les frontières entre nos corps et l’extérieur. La deuxième est la salle principale. Elle met en avant le principe d’un espace protégé, safe, et représente la nature capricieuse des espaces de transition entre intérieur extérieur. La troisième salle présente des dessins et des sculptures plongés dans une muralité d’un ton bleu-gris rappelant le ciel et invite à une pause dans le parcours, à la manière d’un moment d’introspection. La quatrième salle est construite autour de la couleur qui a inspiré le thème global de l’exposition – le vert – et souligne la fragilité et la relation ténue entre l’espace domestique et la nature.

Que des souvenirs glorieux puissent être entachés par la conscience de la destruction ; qu’un danger invisible corrompe tout, même ce qui est supposé produire du beau ; qu’une couleur puisse être utilisée pour exterminer une espèce jugée nuisible2 – tout cela résume parfaitement la nature changeante du dualisme de l’exposition. Koak affirme : « Je me suis spécifiquement intéressée à la capacité qu’a la couleur de saisir en même temps l’éclat de la vie et celui de la maladie, la dualité dans la nature destinée à être essentielle et parfois hostile, et cette sorte d’éclat oscillant entre l’état de l’être regorgeant de vie et l’être hanté par la maladie. Cette exposition porte avant tout sur la vie dans l’espace liminal en équilibre entre ces deux mondes ». Le lac – qui donne également à l’exposition son unité de lieu – constitue l’allégorie parfaite de cette ambiguïté, une dynamique conceptuelle qui permet à des interprétations de se croiser de se superposer dans les mouvements parfois contradictoires.

The Dancers, qui annonce la dernière salle de l’exposition, représente trois personnages immergés dans un environnement naturel, avec un espace domestique lointain à peine visible à l’horizon. Koak rappelle que « ce jeu entre différents modes de représentation du personnage élargit les thèmes de l’exposition : frontières, santé, et maladie ». Le tableau approfondit l’exploration des espaces de transition entre nous-mêmes et la nature, mettant l’accent sur la tension entre être totalement présent·e dans notre corps et l’expérience de la dissociation. Les personnages – qui représentent la mère de Koak et ses deux soeurs – dansent joyeusement en cercle au milieu d’une tempête, incarnant une célébration de la résilience, de la régénération, et de la vie. En même temps qu’elle est entraînée dans cette scène de célébration, le visiteur est invité à réfléchir à la relation fluide, souvent perméable, entre le soi et les terrains mouvants de l’identité, de la mémoire, et de la rencontre.

1. Juxtapoz, Fall 2024 Quarterly.

2. Consciente de l’empreinte écologique de son activité artistique, Koak a mis en place des pratiques durables au sein de son atelier, notamment un système de traitement innovant pour filtrer l’eau contaminée par des produits chimiques accumulée lors du lavage des pinceaux et des outils.

3. The Dancers évoque les différentes danses Matisse, ainsi qu’un détail de Oberon, Titania and Puck with Fairies Dancing de William Blake (vers 1786) ; Magritte’s Door est un emprunt à La réponse imprévue (1932) de René Magritte ; Self Portrait from a Green Window (after Lois Dodd) reprend Self Portrait in Greenhouse Window de l’artiste américain Lois Dodd (1971).