Tokyo Japan
Time and Light, French contemporary artist Mathilde Denize’s first solo exhibition in Japan will be presented at Perrotin Tokyo. In this exhibition, Denize further develops a consistent artistic ethic explored throughout her earlier practice—one that seeks out latent continuities among forms that appear fragmentary and mutually heterogeneous, and reweaves them into new configurations. While her previous works, exemplified by costume-paintings, took up discarded everyday objects and earlier paintings as materials to be cut, dismantled, arranged, and stitched together—literally “re-generating” them—the present exhibition shifts this inquiry toward works that remain close to painting itself, concentrating on the internal operations of the pictorial field rather than on the incorporation of found objects.
フランスを拠点に活動する現代アーティスト、マティルド・ドゥニーズが、ペロタン東京で日本初の個展となる「Time and Light」を開催する。本展において彼女は、これまでの実践を通じて探究してきた一貫した制作倫理——一見断片的で、互いに異質にも見える諸形式のあいだに潜在する連続性を見出し、それらを編み直すという実践——をさらに発展させている。コスチューム・ペインティングに代表される彼女のこれまでの作品では、廃棄された日常的オブジェクトや、自身が過去に制作した絵画を素材として引き受け、それらを切断し、解体し、配列し、縫い合わせ、文字通り「再生」する試みが行われてきた。それに対し本展では、この問いは、ファウンデッド・オブジェクトの取り込みではなく、絵画そのものにより近い位置にとどまる作品へと移行し、絵画的フィールドの内部における操作に焦点が当てられている。
In this exhibition, composed of the new Contours series, Denize does not simply reiterate her previous approaches. Instead, she deliberately returns to the tableau, the traditional format of painting. This return, however—resisting the convention that fixes painting as an immutable plane—does not signify a retreat to the completed flat surface. Rather, it constitutes an attempt to re-enter the institution of painting while retaining the experience of her earlier works, which were sculptural, bodily, and at times mobile. In Contours, the tableau does not emerge as a stable terminus, but as a site of exchange in which multiple temporalities and relations overlap.
新作《Contours》シリーズによって構成される本展において、ドゥニーズは過去の実践を単に反復するのではなく、タブローという絵画の伝統的形式へとあえて回帰する。しかしそれは——絵画を不変の平面として確定させる慣習に抗して——完成された平面への後退を意味しない。彫刻的であり、身体的であり、時に可動的であったこれまでの作品の経験を内包したまま、絵画という制度の内部へと再侵入する試みである。《Contours》においてタブローは、安定した終着点ではなく、複数の時間と関係性が折り重なった交感の場として立ち上がるのだ。
What sustains this expansion is the magnetic field of Denize’s imagination and thought, which affirms fragmentation and recomposition. Here, materials are re-situated along different temporal axes, and residues of the past are not preserved as nostalgia but function as structural elements that generate the present work. Time does not proceed linearly; memory accumulates in layers. Such acts of making become a form of archaeological operation, yet what is excavated is not lost meaning, but relations that remain unfinished. The unsettling sense of animation emitted by Denize’s work arises from this very cycle—cutting and binding, forgetting and re-emergence.
この拡張を支えているのは、断片化と再構成を肯定する、マティルドの想像力と思考の磁場である。ここでは、扱われる素材は異なる時間軸へと再配置され、過去の残滓はノスタルジーとして保存されるのではなく、現在の作品を生成する構造的要素として機能する。時間は直線的には進行せず、記憶は層として堆積する。こうした制作行為は一種の考古学的操作となり、掘り起こされるのは失われた意味ではなく、未完のまま残された関係性である。ドゥニーズの作品が放つ不穏な生動感は、この循環——切断と結合、忘却と再出現——そのものから生まれている。
Ephemeral pinks, clematis-like purples, light-bearing yellows, deeply sunken blues, velvety reds recalling aged velvet, and whites that drift across the surface—using paints discarded from film sets and advertising productions—these colors that compose the canvas do not remain at the level of sensory effect. They are arranged as structures that generate relations and movement, entering into a clear resonance with the practice of Sonia Delaunay, a pioneer of early twentieth-century modernism. Delaunay’s simultanéisme—re-evaluated through recent large-scale retrospectives (Tate Modern, 2015; Guggenheim Museum, 2023)—a visual approach in which multiple realities emerge simultaneously through the relations between color and form, as well as her assertion that “colours are words, their relations rhythms,” is reconfigured in the present tense within Denize’s work. Across her canvases and the spaces in which they are situated, contrasts and shifts in saturation produce a fluid landscape in which meaning is continuously generated. Color, prior to indicating meaning, is positioned as a poetic unit that acts upon space and the body. In other words, color is liberated from subject matter and acquires an independent life.
儚いピンクやクレマチスのような紫、光を孕む黄色、深く沈む青、古いビロードを思わせる紅、そして平面を漂う白——映画のセットや広告制作の現場で廃棄された塗料を用いてキャンバスを構成するこれらの色彩は、感覚的な効果にとどまらず、関係性と運動を生み出す構造として配置され、20世紀初頭のモダニズムの先駆者であるソニア・ドローネーの実践と明確な共振関係を結ぶ。近年の大規模回顧展（テート・モダン, 2015年やグッゲンハイム美術館, 2023年）を通じて、再評価されてきたドローネーが提唱したシムルタニズム（simultanéisme）——色と形の関係性によって複数の現実が同時に立ち上がるという視覚的アプローチ、あるいは、ドローネーの「色は言葉であり、その関係はリズムである」という考え——は、ドゥニーズの作品において現在形で再構成されている。彼女のキャンバスとそれらが置かれる空間において、彩度の対比や移ろいは、意味が絶えず生成され続ける流動的な風景を作り出し、色彩は意味を指示する以前に、空間と身体に作用する詩的単位として配置される。すなわち、色彩は主題から解放され、独立した生を獲得するのだ。
Such structural thinking also intersects with the isomorphism explored by the Symbolist poet Stéphane Mallarmé. Mallarmé treated poetic language not as a mere tool of communication, but as a “material” that itself constructs space, pursuing structures in which language, sound, and visual arrangement are brought into harmony. Poetry, for Mallarmé, was not something to be read, but something to be experienced as space with silence. The structural correspondences that exist between language, music, and visual art appear clearly in Denize’s work as well. In the white cube, the paintings, aligned along a single line as if tracing a horizon, generate rhythm through color and form. Taken together, the paintings function as a single album, or their arrangement operates like a musical score, through which visual language is transposed into a musical configuration. Silence and interval, repetition and variation, seep into the space. Rooted not in concept but in affect, and animated by a multiplicity of meanings—or by subtle and mysterious relations—this can be situated as a contemporary response to the Mallarméan inquiry.
What is crucial in this exhibition, however, is that the relations that emerge here are not subsumed into a reenactment of history. Denize does not look back on modernism or symbolism, but instead takes up, in the present tense, the questions they left unfinished—how far art can become homologous with the world, and how form might precede meaning.
また、このような構造的思考は、象徴主義詩人ステファヌ・マラルメが探究した類質同形性（イゾモルフィスム）とも交差する。マラルメは詩的言語を単なる伝達道具ではなく、それ自体が空間を構成する「物質」として扱い、言語、音、視覚配置のすべてが調和する構造を追求した。詩は読むものではなく、余白と共に空間として経験されるべきものだったのである。言語、音楽、視覚芸術のあいだに存在する構造的対応関係は、ドゥニーズの作品にも明確に現れている。ホワイトキューブの中で地平線を描くように一本のライン上に並ぶ絵画は、色彩と形態によってリズムを生み出す。その全体は一編のアルバムのようでもあり、同時に楽譜のような構造を成しながら、視覚的言語が音楽的構造へと転位する。そこでは沈黙と間、反復と変奏が空間に滲み浮かぶ。それは観念ではなく、情動に根差し、意味作用の複数性によって、あるいは微妙で神秘的な諸関係を蘇らせるマラルメ的探求への、現代における一つの応答として位置づけることができるだろう。
しかし、本展において重要なのは、ここで立ち上がる関係性が、歴史の再演に回収されない点である。ドゥニーズはモダニズムや象徴主義を回顧するのではなく、それらが未完のまま残した問い——芸術はどこまで世界と同型になりうるのか、形式はどのように意味に先行しうるのか——を現在形で引き受けている。
In Contours, color and form do not bear fixed meanings, but enter into autonomous relations as they intersect with time, light, and space. As Cy Twombly remarked, “Each line ... is the event of its own materialization.” Painting here does not emerge as a completed object, but as a field of relations that continues to transform while accompanied by contingency. It is a constellation of relations—polyphonic and shifting—that cannot be reduced to a single point of view.
Within such a condition, the viewer is no longer permitted to remain in a passive position. What is presented is not a static, closed optical sensation, but a site of experience in which body and gaze, time and light, continue to enter into relation with one another. Contours poses a question for us: to reconsider painting not as an image that converges toward completion, but as an event lived and experienced within thought and perception.
《Contours》において、色彩と形態は固定された意味を担うのではなく、自律的に関係を結びながら、時間、光、空間と交わり合う。「一本の線は……それ自身が物質化する出来事である。」というサイ・トゥオンブリーの言葉の通り、絵画は完成された対象ではなく、絶えず偶然性を伴いながら変化し続ける関係の場として立ち上がる。それは単一の視点に回収されない、ポリフォニックな移ろう星座のような関係性である。
その状態において、鑑賞者はもはや受動的な立場にとどまることを許されない。提示されるのは、静的で閉ざされた光学的感覚ではなく、身体と視線、時間と光が相互に関係を結び続ける経験の場である。《Contours》は、絵画を完成へと収束するイメージとしてではなく、想念と知覚のなかで生きられ、経験される出来事として捉え直すことを、私たちに問いかける。
Text by Yusuke Nishimoto
Born in 1986 in Sarcelles, France.
Lives and works in Paris, France.
Mathilde Denize's practice is oriented towards painting, installation work, sculptural composition, performance, and video. Denize’s work is born from a desire to make meaning emerge from a fragmented present. A collector of discarded objects, she often cuts up her older paintings and then weaves them into new forms with found materials. Thus, new artworks are born from remnants of the past, a metaphor for the complicated existence of human beings. Inspired by great experimental artists, like Carolee Schneemann, she utilizes the body as much as the painting. Her garments, which often resemble a sexualized female form, act as both armor and camouflage. Her paintings are an open diary, punctuating and dialoguing with her sculptures. With subtle gestures, Denize constitutes a set of forgotten and anonymous forms, witnesses of a contemporary archeology.
マティルド・ドゥニーズの芸術活動は、絵画やインスタレーション、彫刻的構成から、パフォーマンスや映像まで多岐にわたります。彼女の表現の根底にあるのは、断片化された現代の情景から新たな意味を紡ぎ出そうとする切実な欲求です。「捨てられたもの」の収集家でもある彼女は、しばしば自身の過去の絵画を切り刻み、見つけ出した素材とともに編み合わせることで、それらを全く別の形へと変容させます。過去の残骸から新たな作品が産声を上げるこのプロセスは、複雑な生を営む人間存在のメタファーでもあります。また、キャロリー・シュニーマンといった先駆的な実験芸術家たちに触発され、彼女は絵画と同様に「身体」を表現の重要な媒体として扱います。時に性的化された女性のフォルムを想起させる彼女の「衣服」の作品群は、身を守るための鎧であると同時に、周囲に溶け込むための擬態としての役割も担っています。彼女にとっての絵画は、彫刻作品と対話し、呼応し合う「開かれた日記」のような存在です。ドゥニーズは控えめな身振りを通じて、忘れ去られた匿名の形態を再構成し、それらを「現代の考古学」の証人として提示しているのです。
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